I`m back! И увы, пора признать неоспоримый факт – я слоупок, причем слоупок хронический, а стало быть не обремененный какими-то рамками совести и морали. Догадаться продолжить чтение серии “Ultimates”, чей первый сюжетный арк был переведен на русский язык, до меня дошло только на этой неделе. Звезды с небес нашептали мне что-то на ухо, колесо фортуны крутанулось, оставляя за собой огненный след, и внезапно я обнаружил себя посреди разрушенной к супергеройским хренам Америки, злобно улюлюкающим поганой вражине вослед.

Марк Миллар мог. О, черт возьми, как он, оказывается, мог. Причем снос крыши был заметен далеко не сразу – первый том “Ultimates” я бы назвал скорее “хорошим”, нежели “оху...”…ну вы поняли. Первая часть истории как-раз получилась неплохой, но вводной, ведь там нас заново знакомили с героями команды “Мстителей”. Знакомили с этими, такими знакомыми, но немножко непохожими на себя ребятами. Ведь действие разворачивалось в альтернативной вселенной “Marvel”, под названием “Ultimate”, которая предложила новый взгляд на уже известных всем героев. И внезапно, в какой-то магический момент, они перестали быть богами и великими учеными, и стали просто людьми. А стало быть, и идиотами.

Нет, конечно, идиотами они стали исключительно в самом лучшем смысле слова, но факт остался фактом. Серьезность основной вселенной безжалостно снес мальчишеский задор Миллара, из-за которого герои наконец-то подтянули штаны и сопли, и пошли мочить зло во вселенском сортире именно так, как и требует любая геройская сходка – то есть весело, с разрушениями, ядерными взрывами и окровавленной улыбкой на лице.

В первом том “Ультимэйтсов” есть два основных сюжетных поворота, и если вы знакомы с ними, то знаете, что основную идею первого тома как раз и взял на вооружение Джосс Уидон, когда снимал своих “Мстителей”. Вот только экран не позволял в полной мере воплотить то веселое безумие, которое творилось на страницах комикса. Пацифист Тор разносил к чертям вражеский флот. Брюсс Баннер превращался в Халка и отправлялся бить морду парню Бетти Росс. А Тони Старк пил и спал со всеми женскими телесами, до которых умудрялся дотянуться в перерыве между масштабными сражениями.

На деле, принцип и первого и второго вольюма “Ультимэйтс” был донельзя прост, и проходил по одной схеме. В начале, мир оказывался в глубокой и далекой заднице, а герои получали по щщам, чтобы в финале утереть обиды между собой, и вдарить врагу как надо. Вот только, в отличие от других комиксов про команду спасителей Земли, эта — отличается совершенной чудовищной динамикой, подарить которую может только человек увлекающийся, то есть, реально повернутый, проще говоря.

И Миллар был таким, о, черт возьми, он был. Герои постоянно спорили, шутили между собой, били друг другу лица – и мужчины и женщины. Отношения бурлили и не давали зрителю расслабиться, а где-то на заднем плане начинал разворачиваться зловещий вражеский план, суть которого и в первый и во второй раз была не столь важна. Был важен результат, и эта химия между персонажами. Комикс не скрывал того, что поворотный момент этой истории – это герои, встающие с колен. И от этого становится чертовски хорошо – от этого можно расслабиться, и с удовольствием наблюдать за тем, что происходит перед тобой.

А происходило, между прочим, многое. Второй здоровенный том “Ультимэйтс” вобрал в себя все то лучшее, что Миллар и Хитч могли дать серии. Ни одной остановки, ни одной паузы – лишь лютая динамика и подростковая тяга к жестокости. И это было великолепно! Сюжетные ходы, которые на сегодняшний день уже утратили свою свежесть и актуальность, безжалостно били здесь в грудь, выбегая из-за угла; а мотивации персонажей весьма отличались от чистой идеи вселенского добра. Знаете, что было прекрасно? В этой истории, если злодею нужно было разбить челюсть, то герои не рефлексировали на эту тему, а просто брали и били. А эффект “ура-патриотизма”, который часто проявлялся в основной вселенной, был жестоко бит, и получил нужную порцию самоиронии.

Все происходящее во второй серии, в целом, можно было описать как “вселенский дурдом”, в котором Тони Старк, уже переспавший со всеми на свете, по-жесткому бухал перед битвой; Капитан Америка оказывался ревнивым солдафоном, зацикленным на прошлом; а Халку в лицо заявляли, что “он – отстой”. Это было весело, и это было далеко не все.

Это безумие вовсю поддерживал художник Брайан Хитч, чьи развороты были до краев заполнены действием. Особо там не мелочились – если разрушать, так до основания. Если убивать, то так, что во всю страницу. При этом к “мирным” моментам тоже нет особых нареканий. Прорисовка там, конечно, была несколько проще, чем при масштабных разворотах, но оно и понятно – тут люди не на красивую фигуру Ника Фьюри пришли смотреть.

“Ультимэйтсы” были шикарны. Да, второй том был лучше, чем первый. Да, это было просто, и, местами, чрезвычайно толсто. А если вы знакомы с поздними работами Миллара, то вы увидите и все те вещи, с которыми он потом перебарщивал. Но не здесь, нет. “Ультимэйтс”- это удивительный баланс детской тяги к разрушению, человеческой тяги к насилию, и самоупиения собственной крутостью. Об этом читателю говорили прямо, и да, черт возьми – это действительно было круто!

За последние несколько лет, глобальные события в комиксах стойко начали ассоциироваться с чем-то нехорошим, противным, и даже вредным. Это конечно справедливое утверждение, стоит только взглянуть на парочку последних примеров. Тот же “Страх во плоти” или “Осада” от Марвел, представляли собой ничто иное, как поле, на которым вялый и неинтересный сюжет работал фоном к огромному количеству бессмысленных сражений, и наличию множества лишних героев. С другой стороны “Флэшпоинт” от ДС пестрил богатым, но рваным и неинтересно поданным бэкграундом, а количество лишних серий превысило всякий разумный лимит. Маленькая частная история Флэша зачем-то была растянута на 5 номеров, а дополнительные серии пытались придать, ненужные этой истории, мировые масштабы. Конечно же, по окончанию пятого номера, множество вопросов и конфликтов вселенной Флэшпоинта было оставлено без разрешений и ответов.

Впрочем, не все масштабные комикс-события за последнее время были настолько уж плохи. Не столь давний выстрел, с которым сейчас у многих читателей и ассоциируются такие “собрания всех и вся” был произведен компанией Марвел в 2006-2007 году, когда свет увидела “Гражданская Война”, повествующая о конфликте между супергероями. Не отставало от них и ДС, выпустившее в 2009 — 2010 году “Темнейшую ночь” и “Светлейший день”, которые масштабно завершали объемный сюжетный арк Джеффа Джонса в серии “Зеленый фонарь”.

Несколько лет назад ДС так же выпустила несколько серий комиксов, чьи заголовки так или иначе содержали в себе слово “кризис”, которое не только характеризовало сами события, но и, откровенно говоря, непроизвольно намекало на состояние, в котором находились супергероические сюжеты. И первым в ряду таких “кризисов” стал “Кризис личности”, увидевший свет в 2004 году.

“Кризис личности”, как несложно догадаться из названия, повествует о том повороте событий, в котором секретные личности супергероев и их семей могут перестать быть тайными, не только для их персональных врагов, но и вообще для всех остальных людей. Кстати говоря, заставив Человека-Паука снять маску перед камерой в “Гражданской войне”, Марвел отчасти повторили идею ДС, которую те высказали за несколько лет до выхода “Гражданки” в свет.

Когда ты начинаешь читать “Кризис личности” – глаза разбегаются в сторону, поскольку одним из минусов супергероических комиксов, помимо отсутствия фактической смерти, является огромное количество самих героев, из которых среднестатистический читатель знает, ну может быть, десятка два разнообразных лиц. К тому же половина тех, кто скрывается за широкими спинами “первого эшелона” часто не имеют хорошей истории и харизмы, являющимися неотъемлемым требованием для создания хорошего супергероического сюжета. Воистину нет предела авторской фантазии и уровню плагиата, который постоянно сохраняется между ДС и Марвел.

Стоит упомянуть хотя бы то, что один из главных героев “Кризиса”, своими способностями ясно напоминает мистера Фантастика из “Фантастической четверки”. Не знаю, какой из персонажей был придуман раньше, но по большому счету это не имеет такого уж важного значения – этот пример является только единственным из множества похожих случаев. Другим цепляющим внимание моментом оказываются злодеи, чья форма и вид вызывает порой не интерес, а дикий хохот, как бы хорошо не была прописана их история. Я все могу понять, но все равно Человек-Бумеранг и Человек-Монокль ввергли меня в порядочный ступор.

Сюжет “Кризиса личности” не потрясает воображение, но, по крайней мере, он поддерживает интерес читателя на протяжении всего развития истории. Во всяком случае, та его основная часть, которая затрагивает поиски убийц и интриги внутри Лиги Справедливости. В комиксе присутствует еще и пара параллельных сюжетных линий, но вот они, в отличие от основной истории, не вызывают сильного интереса.

Рисунок Моралеса вполне может подойти под определение “удобоваримо” – качество изображения, в целом, остается на примерно похожем уровне, но пару раз, Моралес все же выдает интересные и стильные кадры. Если говорить в целом, то рисунок практически неотличим от большинства параллельных комикс-серий, которые художники рисуют примерно в таком же стиле.

“Кризис личности” плохо тянет на “событие года”, как заявляет обложка первого номера, но во всяком случае он выглядит на порядок лучше и интереснее глобальных событий последних лет. Улучшится ли качество в последующих “кризисах” – еще предстоит узнать, а пока

На протяжении всей истории развития комиксов, издательские дома Marvel и DC вели между собой бесконечную информационную войну, когда произвольно, а когда и неосознанно, стремясь обогнать конкурента. Одни выдумают десяток “Кризисов”, другие создают свой “День М”. Одни “выстреливают” своей “Темнейшей ночью”, другие выдадут на всеобщее обозрение “Гражданскую войну.” Но все же DC, на мой взгляд, лучше. Лучше потому, что именно их комиксы содержали в себе изначальный потенциал для более “взрослого” развития, что потом и доказало образовавшееся подразделение DC – Vertigo. Да, нынче и Марвел имеет свое “взрослое” подразделение, вот только у них в тот момент больше не было тех, кто перешел под руководство ДС – Алана Мура и Френка Миллера. Конечно, у Марвел тоже не переводились талантливые авторы и художники, но эти два слонопотама от мира комиксов вбили в землю парочку таких памятников, глядя на которые, боссы Марвел пускают слюни до сих пор. Хранители, Болотная Тварь, Убийственная Шутка, – каждое название словно залепляло очередную пощечину Марвелу. А потом пришел Темный Рыцарь.

Френк Миллер не то, чтобы выдумал невиданную божественную идею, но, по крайней мере, на фоне обычных супергеройских историй она, словно колосс, возвысилась над своими меньшими собратьями. “Возвращение Темного Рыцаря”, где постаревший Брюс Уэйн сражается против банд с нацисткими замашками, а дряхлеющий Супермен пытается предотвратить ядерную войну, не мог не вызывать восторгов читателей и зависти конкурентов. Впрочем, понравиться он мог тоже не всем – во-первых рисунок был не слишком затейливым, а во-вторых комикс оказался на порядок сложнее по наполнению, по сравнению с обычной недельной супергероикой.

Вероятно, зависть долго грелась в душе боссов Марвела, жрала их изнутри – и с одной стороны их можно было понять. Все-таки обидно, когда твой конкурент открыто уничтожает тебя своими успехами. Что Марвел могла противопоставить Хранителям, кроме команды Мстителей, которых бы первые стерли с лица земли, не особо напрягаясь? Но вот Темному Рыцарю они могли противопоставить несколько супергероев из своего “первого эшелона”. И выбор пал на того, чье имя, пожалуй всегда, звучало чаще остальных – на Человека Паука.

Можно, конечно, поспорить о том, что Марвел вовсе не планировала сделать свою версию “Dark knight returns”, и просто им в голову каким-то случайным образом пришла похожая идея, но поверьте – стоит только пролистать пару страниц, как все сомнения отпадут сами собой. Дело даже не в сюжете или в стиле его подачи, дело в рисунке, который как две капли воды похож на “Рыцаря”. Есть, конечно, такое понятие, как “дань уважения”, но стали бы Марвел отдавать ее своим конкурентам? Поэтому просто остановимся на том факте, что есть дань уважения, и есть …ну…. есть Spider-Man: Reign.

Брюса Уэйна мучило прошлое, мучила невозможность постоять за свой город, мучило то, что наркотик по имени “Бэтмен” отсутствовал в его жизни. У Человека-Паука тоже была своя больная точка, на которую авторы “Reign” начинают давить уже с первых страниц. Брюс ломался медленно, мы видели его новое перерождение – в “Reign” же Человек-Паук сразу опущен на самый низ, он напрочь сломан и разбит. Угадайте почему. Ответ ласково посылает привет внутренним мукам Брюса Уэйна – Человек-Паук остался один, а Мэри Джейн умерла. А! О Господи! Нет, я же раскрыл огромный спойлер, который должен был бы стать ВОТ ТАКИМ сюрпризом после первого номера. Или подождите – может, все-таки, не должен был?

У такого сюжетного поворота существуют большие слабые места, и базируются они на двух простых вещах – на знании читателем биографии своего героя, и на слишком очевидных намеках автора. Читатель всегда знает больные точки любимого персонажа, поэтому ему обычно не заставляет большого труда угадать – а что послужило причиной разлада героя с собой. Миллер понимал это, и не стал искусственно создавать дополнительную причину для возвращения Брюса Уэйна в костюм Бэтмена, а просто и открыто указал читателю на те классические кошмары, которые мучили героя на протяжении всей его жизни. Создатели “Reign” поступают похожим образом, с одной только маленькой разницей, которая рушит все впечатление от трагедии. Френк Миллер показал пальцем на причину и поехал на поезде сюжета дальше, а Кэйар Эндрюс, словно вредный мальчик, знающий какую-то хитрость, на протяжении первых номеров постоянно скачет вокруг этой смерти, пытаясь придать ей большую тайну, нежели она того заслуживает. Но на его выкрутасы в духе “а знаете что у меня под простыней, знаете? А? А?” читатель может только зевнуть — он давно уже все знает.

Вообще убийство второстепенных героев стало такой же пошлостью, как и смерть главного протагониста какой-нибудь серии комиксов. Во многом именно поэтому читатели и “вырастают” из ДС и Марвел. Смерти нет, есть только временная кома, после которой герой успешно возвращается в строй. В ДС раньше с этим все было несколько лучше, но после “смерти” Супермена люди перестали верить в то, что герои уходят окончательно и бесповоротно.

Боссы ДС и Марвел прекрасно это понимали, и вырабатывали множество способов для убийства своих героев, самым популярным из которых стала альтернативная реальность. Всем же все равно – это альтернативщина, давайте убивать всех! Но этот подход оказался чреват для самих создателей – убивать персонажей тоже нужно уметь. Авторы, по многу лет пишущие истории про своих героев, видимо потихоньку начинают тихо их ненавидеть, и вся их многолетняя боль порождает такие вещи как “Марвел: Зомби”. Эта серия представляет собой поле для выражения садизма автора над классическими героями, пускай и сдобренного черным юмором. Но если вы создаете нечто посерьезнее, нежели история о популярном вирусе, то фокус “его покусали – он всех сожрал”, уже не проходит, чего, кажется, не замечают сценаристы. Можно убивать персонажей интересно, драматично, с хорошо постановочным эффектом – а можно так, как это сделали в “Ультиматуме” или “Старике Логане”. В первом случае ситуацию можно охарактеризовать как “бам – все умерли”, во втором – “шел, упал, споктнулся – убил всех в полете, очнулся – пост-апокалипсис”.

В “Человеке-пауке” создатели все же придумали достаточно интересную причину для смерти Мэри Джейн, что, впрочем, не отменят факта наглого спекулирования создателей на этой теме. В отличие от “Темного рыцаря”, где старые кошмары Брюса являются лишь катализатором, в “Пауке” смерть превращается в главную тему сюжета, а все остальные мысли о постаревших врагах, друзьях и диктатуре власти отодвигаются на второстепенный план. Есть в этой смерти и что-то от “Марвел Зомби” – Мэри Джейн постоянно кружит вокруг героя, укоряет его, напоминает ему, какой же он стал неудачник. Проще говоря, нам постоянно тычут в лицо тем фактом, что она мертва, и естественно после какого-то раза, эта смерть перестает трогать чувства читателя. Ситуацию спасает разве что светлый финал этой линии, который ни в коем случае не мог быть возможен в “Зомби” серии – там бы это разрушило всю атмосферу чернухи. Вот только любой человек, читавший пару-тройку супергеройских комиксов, сможет предсказать финал сюжета заранее. Да и вообще, откровенно говоря, половину ходов, которые используют создатели комикса с успехом можно предугадать еще за три номера до финала – слишком уж все очевидно.

Мрачность, носящая в себе отголоски нуара, с помощью которой Миллер рассказывал свою историю, присутствует и в “Reign” – постоянно идет дождь, краски мрачные, положительные герои отдают порядочным сволочизмом. Вот только здесь не чувствуется нотки серьезности – словно эту достаточно мрачную историю рассказывают нам, никогда не испытывавшие в своей жизни похожих эмоций, дети. Стиль, как и сюжет, превращается в китч, и скука всеобъемлюще повисает над всеми четырьмя выпусками комикса.

Главная проблема “Reign” заключается все же не столько в его факте подражания “Рыцарю”, сколь в частности рассказываемой нам истории. В работе Миллера проскальзывали десятки мыслей, затрагивающих основы самой идеи героя – есть ли конец у такой жизни, возможна ли жизнь злодея без самого героя, и не похож ли протагонист на своего главного антагониста. Да, Мур, в свое время, пошел еще дальше, задав вопрос о том, а не является желание наряжаться в костюм и спасать мир психологическим расстройством, но это уже совсем другая история.

А “Reign” же, в первую очередь плох тем, что при наличие весьма серьезной цели – попытке переплюнуть историю Миллера, в ней отсутствует вся глубина и жизненная серьезность “Рыцаря”. Вместо этого комикс создает напускную мрачность, которую так любит Марк Миллар, и выдает донельзя пошлые кадры, стоящие на самой грани плагиата – дети, выступающие против спецназа; создающие всемирную опасность супер-террористы, внутренние монологи героев, диалог Человека-Паука с главным злодеем, абсолютно уничтоженный предфинальными кадрами. Последнее вообще заслуживает отдельного упоминания – это как если бы в “Рыцаре” после откровенного диалога Брюса с Джокером, оба пошли бы бить друг другу морду на главной улице Готэма.

Зависть – это плохое чувство, из-за него не раз происходило множество неприятных событий. Так произошло и в этот раз. “Spider Man: Reign” мог бы стать неплохим комиксом, если бы не пытался догнать своего конкурента, и если бы у его создателя было бы чуть больше смелости, фантазии, такта и таланта. Но не сложилось, и поэтому

Линейка героев вселенной DC, в первую очередь, всегда была известна широкой публике благодаря Лиге Справедливости – команды, участниками которой, являлись такие личности, как Супермен, Бетмен, Чудо-Женщина, Флэш и другие. Состав Лиги менялся сотни раз, но основной костяк оставался примерно похожим, и среди этих “старых буйволов” одним цветом выделялся персонаж, судьба которого пережила в начале двухтысячных второе перерождение (первое было в 50-ых) – и это был Зеленый Фонарь.

Не могу сказать, что я хорошо знаком с историей создания этого персонажа, но насколько мне примерно известно, Зеленый Фонарь появился еще во времена первого потока комиксов, в котором он выступал не просто в качестве космического защитника, но и героя Второй Мировой Войны.

Вообще описывать предысторию Зеленого Фонаря до событий “Перерождения” как-то и неудобно. Читатель, далекий от мира ДС обычно представляет себе Зеленого Фонаря в роли Джона Стюарта – второго, после Хэла Джордана, Фонаря с Земли, известного по мультфильму “Лига Справедливости”. Сейчас в России Джордан стал узнаваем благодаря одноименному фильму, завалившему все возможные пути для дальнейшего развития персонажа на экране. (Большое спасибо Мартин Кэмпбэлл*, старый ты козел) За профуканный потенциал героя становится обидно вдвойне, когда начинаешь знакомиться с самим первоисточником фильма, и предшествующим этому источнику сюжетам.

Как говорит в предисловии к “Перерождению” Брэт Мельтцер** — это не просто комикс о возвращении Хэла Джордана из мира мертвых, где он пребывал порядочное количество времени, но история о возрождении всего корпуса Фонарей и их мифологии.

И это правда. “Перерождение” Джеффа Джонса выполняет одновременно две функции – с одной стороны оно привлекает нового читателя, незнакомого с предысторией Зеленых Фонарей, а с другой – одним мощным движением увязывает прошлое Хэла Джордана и его настоящее, подогревая интерес старых фанатов Корпуса. Строго говоря, Джонс вообще дополнил и практически переписал мифологию всех Фонарей, превратив достаточно попсовую серию в хороший космический блокбастер. Но это было после “Перерождения”, благодаря которому эта серия комиксов обрела второе дыхание.

Главная ценность “Перерождения” заключается в том, что здесь грамотным образом сочетаются все положительные составляющие, которыми может похвастаться серия о Зеленых Фонарях. Здесь есть космические битвы, инопланетяне, полный набор Зеленых Фонарей с Земли, Лига Справедливости, несколько сюжетным твистов, и порядочная доза пафоса. Кстати, если вас смущает слово “пафос”, то зря, поскольку он здесь смотрится органично, и не переливается через край.

С “Перерождением” можно смело знакомиться, даже если вы слышали только о Бэтмене, да Супермене, и смутно представляете себе — кто такие Зеленые Фонари. Сюжет выстроен таким образом, что, несмотря на первоначальный сумбур, читатель вряд ли потеряется во вселенной. Этому по полной программе способствуют комментарии некоторых героев и флэшбеки, объясняющие кто есть кто. Впрочем, если вы имеет определенный базис, то вашему вниманию предстанут не только давно знакомые персонажи, но и парочка неожиданных камео.

Кстати говоря, еще одной ценностью “Перерождения” как раз является количество персонажей – Джонс знакомит читателя не только с Хэлом Джорданом, но и с половиной вселенной ДС, тем самым сознательно стимулируя его на покупку комиксов из других серий. Но в этом кроется и темная сторона – человеку, знакомому со всеми героями, может показаться, что в некоторых моментах комментарии чересчур навязчивы, а персонажи задают слишком глупые вопросы. (В духе “кто это?”). Но поскольку “Перерождение” было все-таки рассчитано, в первую очередь, на новую аудиторию, то эти минусы могут заметить далеко не все.

Нехорошим словом я, пожалуй, упомяну разве что художника Итана Ван Скивера, ответственного за весь сюжетный арк. Намного лучше и качественнее выглядят поздние работы от Айвана Райса, который, несмотря на то, что рисует одинаково сложенных людей, ближе к “Темнейшей Ночи”, стал выдавать потрясающие развороты. В отличие от него, Скивер сохраняет приблизительно одинаковый уровень качества неплохого, но не особо интересного рисунка. Цвета комикса вроде бы и яркие, но без той искры, какая есть у Райса. То есть, в целом, все нормально, но как-то скучно. Маловато использования идеи, благодаря которой Зеленые Фонари могут создавать любые конструкции из головы – чаще всего герои предпочитают стрелять из колец какими-то лазерными лучами.

Однако художник не смог подпортить всей картины. “Перерождение” является отличным примером возвращения не только героя, но и вообще серии в целом. Да, пускай, смерть в супергеройских комиксах отменена***, это не мешает сюжетной интриге, с одновременно живым и мертвым Хэлом Джорданом, завлекать своего читателя. И если вы ищете что-то качественное из мира супергеройских комиксов (“Фонарь”, несмотря ни на что, все же попса, но попса качественная), то “Перерождение” Джеффа Джонса, это как раз то, что вам нужно.

* режиссер фильма "Зеленый Фонарь"

** один из авторов в ДС вселенной.

*Предупреждение от автора — в рамках одной отдельно взятой статьи автор высказывает исключительно свое ИМХО, которое может не совпадать с мнением остальных авторов. Даже если оно и верное.

Хэй-хо, дорогие мои любители жесткого комиксного БДСМ`а! С вами вновь рубрика “Пытка мозахиста или третий номер Игры Престолов вышел в свет”! Многие еще с первого выпуска задаются сложным вопросом – что опаснее, пистолет калибра эдак .45 в руках криминального авторитета, или очередной выпуск потока укуренных Буратин от Динамит Энтертеймент? Дорогие друзья, отвечу вам голосом Никола Дроздова – “Конечно же, конечно же второе. Ведь если вдуматься, то опасность пистолета слишком очевидна – им могут ударить по голове или заставить разбирать/собирать, как любит делать каждый второй начальник УПК в локальной школе. С другой стороны – комикс. Ну на первый взгляд, чего такого опасного в нем, ведь это всего лишь сочетание картинок и диалогов, заключенное в жалкую бумажно-глянцевую форму существования. Но не в случае “Игры”. Номера этой серии сродни Медузе Горгоне, которая привлекает бедного путника убермощной обложкой Алекса Росса, чтобы затем, дико ухмыляясь, показать свое истинное лицо, и, застав врасплох читателя, начать хлестать его своими змеями, словно спятивший наездник”.

Правда, в этот раз все начинается достаточно мирно – видимо герои еще не успели отведать фирменной травы, которую выращивает в подземельях Винтерфелла Нед Старк, поэтому ведут себя на редкость адекватно. Хотя обложка уже прямо говорит о том, что является главной темой номера. Да и вытянутые лица героев обещают поддать жару…

Е-МАЕ, эдакими путями можно и со стула грохнуться во время чтения. Да этот выпрыг “страшной рожи” заставил обзавидоваться даже Адскую Козу из ужастика “Затащи меня в Ад” !!! Уф!

Но подождите, как же бойко и смело отвечает маленькая девочка нападающей на нее козе Септе – вот это выдержка, вот это смелость, вот это прямоугольные слезы!

Что это с сэром Родриком? Он набриолинил волосы???? Нет? Тогда почему они у него постоянно вытянутые и не колышутся на ветру? А, это же “Игра Престолов”, я уже и подзабыл…тогда прощаю.

Двигаем наш поезд любви дальше по маршруту, следующая остановка – впрочем не знаю, стоит ли нам проезжать мимо лошадиного лица Джоффри, над которым бы посмеялись даже другие представители его вида... Хотя наверное, просто лучше посмотрите на него из окна – вот оно родимое:

Миновав сей страшный ужас, мы, наконец, начинаем приближаться к основной ветке этого номера! Перед нами Бран – единственный и неподражаемый мальчик-скалолаз, и он….несет какую-то несуственую фигню. Я прощаю ему то, что он разговаривает с лютоволком, такое случается, люди ведь иногда и с хомяками общаются, но простите, мне показалось, или он только что сравнил это животное со своей матерью?

Хааа – я же говорил, мальчик полетел с отвесного карниза. Нет. Подождите, я не это имел ввиду – я хотел более мягкое наказание. Черт, да вы реально парня насмерть убьете, он сейчас умрет, если только его не спасет…. ИНВЕРСИЯ! Немного магии и уже не мальчик летит с башни, а башня летит мимо стоящего на воздухе мальчика!

Дальше веселее – клиффхэнгером номера является интимная встреча между Кхалом и Дени. Создатели комикса убрали из этого момента весь внутренний монолог (и текст) Дени, и на выходе получилась потрясающая по содержанию сцена (я вырезал ее покадрово):

Вот только комиксы, это не взрослые порноканалы, которыми можно завлекать читателя. В смысле, так то, наверное, можно, но не в этом случае. Поэтому когда я, воспроизведя в памяти последние два номера “Игры”, попытался найти общий знаменатель, у меня он вышел неоднозначным. Исходя из самых популярных кадров последних номеров, оценку выпуска должны были символизировать женские груди, которых за последние два раза мы видели немало. Но по ходу я запутался в визуализации решения – было непонятно, считать за балл одну грудь или сразу пару. Поэтому пусть пока эта идея повисит где-то в облаках, а...